Manuel Molina en Móvil

En Parque Patricios, en Iguazú 451 se encuentra Móvil, un centro de arte contemporáneo que produce en autogestión junto a los artistas las obras que exhiben. Ahora es el turno del artista cordobés Manuel Molina que toma como punto de partida de su obra las investigaciones sobre Adorno. En su trabajo se puede ver una revisión de la condición de la cultura y el arte en esta lógica de producción. Una reflexión sobre nuestros hábitos de consumo y de creación artística. Así lo vio su curador Cuauhtémoc Medina, quien se sumó al equipo de Móvil, con Solana Molina y Alejandra Aguado, para montar Todas las ideas con las que me he acostado.

La inspiración le llegó a Manuel estando en Oberá, Misiones, desde allí pensó en esta instalación en Buenos Aires, que simula un camping imposible en el que se lucen guiños a la obra de Tracey Emin (que inspira además el título de la muestra) y a Oscar Bony.

Sugiero que pasen por Móvil e inicien el recorrido en el que Manuel diseccionó la primera acuarela de Kandinsky con una precisión casi científica.

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Xul Solar en Bellas Artes

A 130 años del nacimiento de Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari (1887-1963), el Museo Nacional de Bellas Artes presenta la exhibición “Xul Solar. Panactivista”. En ella se evidencia cómo la obra plástica y sus creaciones están atravesadas por lo astrológico y lo místico. Además se le suma a esta lectura astrológica el planteo utópico del artista para lograr confraternización entre los hombres y amplitud de conocimientos. Fue un artista clave de las vanguardias latinoamericanas, pero excedió por demás un período puntual. Cecilia Rabossi, curadora de la muestra, me explicó los ejes en los cuales se ordenan las 180 obras, entre acuarelas, témperas, objetos, máscaras, manuscritos, ilustraciones y documentos personales que se exhiben.

Arte y Literatura: Xul y sus amigos. Su viaje a Europa y regreso a la Argentina en 1924 a través de su amistad con Pettoruti y Borges.

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Músico visual. Sus modificaciones en el campo de la escritura visual y los instrumentos para hacerlos accesibles.

El mundo de las lenguas. La Panlengua, una lengua universal sin gramática, de base númerica y esotérica. Y el Neocriollo, la lengua continental. La curadora anticipa que podremos escuchar la misma voz de Xul Solar en la muestra.

Espacios habitables. Cómo él trabaja desde sus primeras piezas, en las arquitecturas imaginarias, hasta sus paisajes esotéricos y la idea de fines de los 50 de una ciudad futura.

Lo místico, lo esotérico y lo oculto. Una aproximación a los horóscopos, las cartas astrales, los altares y hasta una serie de marionetas con signos zodiacales que integraban un teatro manejado por Xul Solar.

Grafías plastiútiles. Una escritura plástica. Un cruce entre lo visual y lo plástico. Se verá el juego de la panlengua y también el panajedrez, entre otras obras.

Puede visitarse desde el 8 de marzo en Av. del Libertador 1473, CABA. Entrada gratuita.

 

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El Bicentenario a pasos del Mar

Quienes vayan de vacaciones a la costa Atlántica y tengan ganas de hacer un lindo paseo siempre pueden visitar el Museo Mar, de Mar del Plata. Con múltiples propuestas para toda la familia, este verano recibió además una gran muestra itinerante inspirada en el Bicentenario que ya se exhibió en el Museo Provincial de Bellas Artes, “Timoteo Navarro” Tucumán; y en el Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino + Macro” de Rosario.

Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino

“Congreso de Tucumán: 200 años de arte argentino” recorre dos siglos de arte argentino a través de obras de la colección del Museo de Bellas Artes y suma piezas de artistas contemporáneos de todas las provincias. Pueden verse obras de Juan Carlos Castagnino, Pío Collivadino, Martín Malharro, Xul Solar, Carlos Alonso, Antonio Seguí, Jorge Macchi, Luis Felipe Noé, Pablo Siquier o Guillermo Kuitca, entre otros. De jueves a martes de 12 a 20, con entrada libre y gratuita.

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Selección francesa en el MACBA

El Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) cierra con el “Salón Francés” un gran año en el que decidió situar a la mujer en el centro de la escena. En esta exhibición, que acaba de inaugurar, presenta obras de mujeres francesas de varias generaciones.

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No es, sin embargo, una exposición femenina ni feminista, “la intención no es en absoluto situar el concepto de género en el centro de esta selección.Por otra parte, si bien no se trata de un enfoque exhaustivo, la vitalidad y la diversidad de la escena artística francesa están perfectamente ilustradas, con un abanico de propuestas que van desde la abstracción geométrica de Vera Molnar, hasta el arte carnal de Orlan, desde las imágenes silenciosas y descarnadas de Valérie Belin hasta la vibraciones lumínicas de Véronique Joumard”, dice en el ensayo curatorial Domitille d´Orgeval, invitada por Marie Sophie Lemoine, curadora de la muestra.

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En un arco de creación desde los años 50 hasta la actualidad se exhiben obras de Vera Molnar, Cécile Bart, Geneviève Claisse, Ode Bertrand, Orlan, Suzanne Lafont, Tania Mouraud, Valérie Belin y Véronique Joumard. Se intercalan estilos y se cruzan generaciones.

Hasta el 26 de febrero de 2017 en Av. San Juan 328, CABA

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Gyula Kosice en Bellas Artes

En mayo de este año falleció Gyula Kosice. Artista, teórico y poeta, fue uno de los grandes referentes del arte del siglo XX y lo que va del XXI. Sus obras y toda su cosmovisión fueron sinónimo de vanguardia. No había límites para su creación. A 25 años de su última gran retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes realiza esta muestra homenaje que recorre su producción desde los años 40 hasta sus últimos días. Es una muestra muy representativa de una carrera inasible, en la que “su gran desafío fue materializar lo imposible, él buscó darle forma al agua, a la luz, al aire. Pensemos en la cabeza de un escultor que viene de manipular cierta materia como madera, y otros elementos. Y se propone utilizar otros tan inasibles como la luz”, me explicó Rodrigo Alonso, curador de la muestra.


Varias piezas, trabajos teóricos y varios textos de él como pensador del arte contemporáneo están presentes en la exposición. Pueden verse la escultura articulada Röyi, que admitía la participación del espectador, pinturas de marco recortado y una obra de gas neón, de los primeros años Madí. También hay obras que dan cuenta de su interés por el movimiento, la luz y el agua, además de maquetas vinculadas a la Ciudad Hidroespacial, uno de sus proyectos más ambiciosos.
Durante toda su vida, Kosice desafió la tradición escultórica en busca de nuevos materiales, herramientas y tecnologías. No habría para él un tope en el uso de la materia. Desde siempre apostó por la tensión, la vibración estética y lo polidimensional, y abrió el juego a la innovación. El artista formó el grupo Madí junto a Rhod Rothfuss y Carmelo Arden Quinn e incorporó materiales novedosos como los tubos de luz de neón. Logró su cometido de manipular un elemento tan inasible como la luz. En los años 50 elevó la apuesta y se concentró en el agua, dando cauce a las hidroesculturas, algunas de ellas se ven ahora en el Bellas Artes. Progresivamente sus obras adoptaron un componente semántico que remite a la energía que motoriza a la Tierra. El Universo se hace un tema recurrente: galaxias, constelaciones, una arquitectura flotante, así una Ciudad Hidroespacial va adquiriendo entidad. Presentó el proyecto y la maqueta en 1971.

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Kosice expande su arte a proyectos monumentales y públicos, y potencia los recursos técnicos para expandir las propiedades sensoriales de sus esculturas para beneplácito del público. Como aclara Rodrigo Alonso “hasta sus últimos días Gyula Kosice no deja de buscar, inventar, experimentar. No ceja en su persistencia vanguardista, porque el arte, para él, no es un punto de llegada, sino una aventura sin final”.

Puede visitarse hasta el 23 de diciembre.

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Detrás de los muros de Frida

Las paredes esconden secretos, guardan historias que a veces terminan siendo reveladas. Es el caso de los muros de la Casa Azul de Frida Kahlo. En 1954, luego de la muerte de la artista, el baño fue tapiado por instrucciones de Diego Rivera y permaneció cerrado por cincuenta años. Al ser abierto se encontraron lavativas de peltre, carteles de Lenin y Stalin y, especialmente, elementos como corsets y muletas.

La fotógrafa Graciela Iturbide tuvo acceso a ese material que había sido amontonado en la bañera y le dio un giro poético. Esos elementos que habrían contenido el dolor de Frida fueron resignificados en maravillosas fotografías que ahora podemos ver en FoLa Fototeca Latinoamericana (Godoy Cruz 2626, CABA). La muestra que lleva el título Tiempo suspendido también incluye tomas del jardín botánico de Oaxaca, en el que las plantas precisan de grandes cuidados para sobrevivir. La vulnerabilidad atraviesa las obras de Iturbide y hasta diciembre podemos contemplarlas en FoLa.

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Malevich en Proa

Luego de un par de semanas de su inauguración pude visitar la muestra de Kazimir Malevich en Fundación Proa. Fui en ocasión del desfile que presentaron los alumnos de la FADU inspirados en el artista. La puerta de Proa rebosaba de gente entusiasta, y junto con ellos ingresé a ver la muestra. Es obvio que voy a tener que volver, bajarme la app y hacer mi visita guiada.

La historia que cuenta esta muestra comenzó en San Petersburgo en 1915, cuando en una exhibición titulada 0.10 Kazimir Malevich presentó Cuadrado Negro. Y como dice su título era un óleo que mostraba un cuadrado negro sobre fondo blanco. En su búsqueda por algo más allá del mundo físico de un alejamiento de los objetos y las apariencias, de algo que no pudiera vincularse linealmente a lo político o religioso adoptó la abstracción más extrema. En pos de la abstracción más radical sumó un nuevo “ismo”: el suprematismo, uno de los movimientos más influyentes del siglo XX. El suprematismo abogó por el abandono completo de lo figurativo y la reducción de las formas a sus cualidades más esenciales. Si bien también y por el momento histórico en el cual se crearon sus obras, en plena revolución bolchevique, esta vanguardia puede verse como la forma de alcanzar los ideales utópicos proletarios: en este caso Malevich liberaba a los espectadores de una búsqueda de la interpretación. El público quedaba entonces expuesto a un estímulo que lo conectaba con su propia visión interior.

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Las primeras obras de este artista nacido en Kiev (Ucrania) estuvieron influidas por el neoimpresionismo y el fauvismo, a partir de 1904 realiza piezas más identificables con versiones del cubismo y luego del futurismo con imaginería rusa. Este compromiso de adaptar estos movimientos al contexto ruso fue una constante en su carrera artística, y aquel cubofuturismo derivó en su propio estilo, el suprematismo abstracto. Las formas eran simples y elementales, línea recta, cruz y cuadrado, siempre en colores planos. En 1916 publicó el Manifiesto Suprematista en el que expuso su teoría.

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La muestra en Fundación Proa, que se exhibe por primera vez en la Argentina y en América Latina y curada por Eugenia Petrova, recorre todos los estadios de la obra de Malevich. Desde sus inicios, con sus obras de influencias simbolistas, hasta las últimas pinturas de retratos, donde da cuenta de la vida campesina y sus singulares personajes geométricos.
El Suprematismo es parte fundamental de la exhibición, con una amplia documentación sobre el nacimiento y el contexto del movimiento.

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En Av. Pedro de Mendoza 1929, Cap.

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