Rogelio Polesello. Ilusión óptica

Nunca me canso de ver obras de Rogelio Polesello. Son hipnóticas. En 2015 el Malba le dedicó una gran retrospectiva, que visité varias veces. Era muy agradable ver al público interactuar con las piezas. El artista lo promovía, su experimentación con nuevos materiales y técnicas tenía como corolario la participación de los espectadores.

IMGU8477

Ahora hay una nueva oportunidad para seguir disfrutando de sus obras. La galería de María Calcaterra MCMC está presentando durante todo septiembre la muestra  “Advertencia óptica”.  La exposición está dedicada a las obras históricas de Polesello: exhibe acrílicos y pinturas producidas en  los años sesenta y principios de los años setenta. Sus piezas de acrílico tallado son protagonistas en la sala e invitan a los desplazamientos lúdicos.

Sala
Para visitarla hay que agendar cita por mail info@mariacalcaterra.com. o al tel.: +54 11 4801 1399.En Av. Mariscal Ramón Castilla 2871, piso 10 A, Capital.

IMGU8470

Gilda Picabea en Hache

En Kosovo, en un pueblo llamado Gadimes se encuentran las grutas Sphella que se dice que existen desde hace 20 millones de años. En ellas una estalactica y una estalagmita buscan alcanzarse, pero les tomará, 1. 5 millones de años hacerlo, por eso reciben el nombre de Romeo y Julieta.

Estoy convencida de que es a través de las historias que nos enamoramos de las cosas, que las recordamos. Por eso esta imagen que me brindó alguien a quien conocí en la galería Hache me hará recordar por siempre una obra de Gilda Picabea que está ahora allí en exhibición. En ella dos partes parecen tocarse, pero no se rozan.

Seré feliz, Hache Galería, Buenos Aires, Argentina, 2016_1-2

“Seré Feliz” fue curada por Juan José Cambre y exhibe 16 obras de reciente producción de Gilda. Charlé con ella sobre la muestra.

Si bien la exhibición a simple vista parece vincularse al lenguaje geométrico, en realidad no la pensaste así. ¿Me dirías el origen de la misma?
No es exactamente así ya que vengo trabajando dentro de la abstracción geométrica y soy consciente de los elementos que utilizo, de la tradición. Lo que me pasa es que no pienso en la geometría cuando estoy pintando, sino en la relación entre la construcción de las imágenes, las formas que la componen, y la pintura, sus recursos, el color. Digamos que mi lenguaje es la pintura. No me siento diferente a un expresionista o un informalista en este sentido, si caben esas definiciones hoy. Por otro lado pienso mucho en el recorte de la imagen, en los límites de la superficie, hacia adentro y hacia afuera del cuadro y por supuesto pienso en la materia. Podría decir que mi preocupación principal es el espacio en el que se desenvuelve la pintura y las formas a las que fui llegando pertenecen a la geometría. Por lo que si pienso una definición de mi es más la pintura que la geometría.
Ellas, mis pinturas, necesitan de una pared, se relacionan con el espacio que las rodea. El disparador principal de la muestra fue esa pared que divide las dos salas de la galería y que determina un recorrido circular por el espacio. Quería que los cuadros que estuvieran ahí se relacionaran entre sí, como opuestos, SI y NO, en blanco y negro. Que en parte encierran el sentido del título de la muestra, Seré feliz.

 

Seré feliz, Hache Galería, Buenos Aires, Argentina, 2016_10

¿La muestra en algún sentido trata sobre las relaciones humanas?

Creo que no es tan simple de decir, que la muestra trata sobre esto o sobre aquello, porque también intervienen las subjetividades de quienes miran y estaría limitando o dirigiendo su experiencia. Dentro de lo que decía antes me interesa la relación entre los elementos sobre la superficie de la tela, a partir de esto en mis imágenes aparece el encuentro y el desencuentro, la ausencia, las distancias, el ocultamiento, el apego y el desapego, la continuidad de las imágenes… me pregunto sobre la pintura y entonces pinto lo que vivo, lo que veo, lo que pienso, lo que siento.

Hasta el 3 de septiembre en Loyola 32, Capital.

Werner Bischof en América

Este año este gran fotógrafo suizo habría cumplido 100 años. Pero su alma quedó en los Andes peruanos en 1954, cuando solo tenía 37 años. Estaba documentando su gran viaje por América, que había iniciado en México y lo había llevado a fotografiar pueblos en Panamá, Chile y Perú. Bischof contaba con una gran técnica y un excelso dominio de la luz, pero tenía un plus, una extrema sensibilidad y empatía hacia aquellos sobre los que posaba su mirada.

img_20160803_094456.jpg

Su carrera puede ordenarse en cuatro fases, según dice su hijo Marco Bischof

  • en los años 40 en Suiza fue fotógrafo de estudio. Hizo tomas de moda y experimentales.
  • en 1945 inició una serie de viajes en auto por Europa. Completó siete documentando la trágica vida de los sobrevivientes en la posguerra.
  • en 1953 entró a la agencia Magnum  y como fotoperiodista viajó a Asia donde fue testigo del sufrimiento de la gente. Regresó a Zurich e hizo una exhibición en la que mostró su obra.También hizo un libro sobre Japón.
  • en ese mismo año viajó a Estados Unidos en busca de nuevas formas de expresión. Fue recién cuando llegó a la frontera con México que encontró lo que buscaba.

 

1 - Werner Bischof by Eugene Harris in Machu Picchu, May 1954

Allí comenzó una historia que potenció su sensibilidad. Es a esta etapa que el Museo de Arte Hispanoamericano Isaac Fernández Blanco dedica la muestra “Werner Bischof Fotografías de América”. Les recomiendo que vayan con tiempo para apreciar los detalles de cada toma y si pueden compren el catálogo en el que agregaron cartas que el artista escribió en las que da cuenta de su sensible visión sobre nuestro continente.

img_20160809_130628.jpg

 

Hasta el 30 de octubre en Suipacha 1422, Capital.
Entrada general: $10. Miércoles gratis.

Geometrías inmersivas en el Faena

Como en todas las vacaciones de invierno, el Faena Arts Center propone una obra de arte de naturaleza inmersiva. Una pieza para disfrutar y habitar por un rato. En este caso y por dos semanas en su centro de arte de Puerto Madero presenta “Forms from Life”, un site specific de Typoe. El primero del artista en Latinoamérica y que invita a jugar, crear y compartir.

Hablando con él me contó que sus inicios fueron como street artist, el graffiti era lo suyo. Pero ya desde hace varios años se expresa a través de las instalaciones. De todas maneras ha realizado varios murales con fines benéficos en su ciudad natal, Miami . Este costado solidario se hace evidente nuevamente ya que luego de las dos semanas en las que se exhiba su obra será donada parte al Hospital Garrahan, y otra parte a un espacio público aun a definir. Además cada vez que alguien postee alguna imagen de la muestra con el hashtag #FaenaArtsTypoe se donaran $10 a la ONG Olimpíadas Especiales Argentinas.

content_Miami-Creatives-4
Typoe

La obra explora los fundamentos de la geometría y del color, integra el falso mármol que se confunde con el piso del Faena Arts Center, y abre a la fantasía un mundo laberíntico y surrealista.

Para Ximena Caminos, curadora de la muestra, la llegada de Typoe a Buenos Aires se inscribe en un ejercicio que está haciendo el Faena Arts de generar un intercambio, una especie de puente entre artistas locales y extranjeros, un camino de dos vías entre el Sur y el Norte.

CnvkTevWcAICYU4
Alan Faena, Ximena Caminos y Typoe presentando su obra en Buenos Aires

Hasta el 31 de julio en Aime Painé 1169, Capital. De miércoles a domingos de 12 a 19.

Yoko Ono en el Malba

La gran muestra retrospectiva de Yoko Ono en el Malba tiene como eje las instrucciones que la artista viene realizando desde hace más de seis décadas. Durante más de un año los curadores de la muestra Gunnar B. Kvaran y Agustín Pérez Rubio trabajaron con la artista para diseñar la muestra.  Hay un dato importante que atraviesa la exposición y es lo que hace que uno se vaya del Malba con cierta sensación de regocijo. Las instrucciones de Yoko son para todos, siempre hay una con la que uno se identifica, y nos impulsan a participar.

20160622_115811.jpg
Gunnar V. Kvaran, Agustín Pérez Rubio y Lupe Requena en el Malba

En la presentación de “Dream come true”, así el título de la muestra, Kvaran hizo un recorrido por la vida y obra de la artista, un relato necesario para introducirnos a la exhibición. Hay una tendencia a ver a Yoko Ono en el contexto de Nueva York, Fluxus y John Lennon, pero ella es algo más. Es japonesa, nacida y criada en Japón y proviene de una familia adinerada. Recibió una muy buena educación y tuvo contacto con las artes desde su infancia. Ella pudo tomar decisiones, y en ese tiempo eso ya era mucho decir. Fue la única mujer que accedió a una escuela de élite que era solo para varones y tuvo como compañero al hijo del emperador. Eso nos da una idea del contexto en el que creció. Cuando llegó a Nueva York la escena estaba conmovida por John Cage, el Pop Art y Fluxus. Lo que diferenció de entrada el arte de Yoko Ono fue el tema de invitar a la participación.

Ella invita al público a tomar parte del proceso creativo y eso llevó al arte a un rumbo nuevo. ¿Cómo lo hizo? A través de las instrucciones. “Esa es la columna vertebral de su creatividad. Cuestionar la noción de arte, abandonar el objeto y se reduce a la idea. Ni Marcel Duchamp abandonó el objeto”, explicó Kvaran.

Sugiero tomarse el tiempo para recorrer la muestra e ir activando las obras, somos nosotros como espectadores los que las completamos. Las instrucciones están escritas en las salas con tipografía muy grande y son muy claras. Hay más de 80 obras –todas originales– que no están dispuestas en orden cronológico, una pieza en la terraza y también veremos instrucciones en el espacio público. Podrán apreciar en el recorrido nociones de carácter universal, pero también preguntas y respuestas muy personales ante las cuales es difícil no conmoverse.

de chica quiso ir a la mejor escuela de Japón solo para varonesk
Hasta el 31 de octubre en Av. Figueroa Alcorta 3415, Capital.

Extracto de nota publicada en Vanidades

 

 

Espacio inmaterial

Cuando un amigo te insiste para que vayas a visitar una muestra en la que participó, una va. Sabía que había un dato, que había que buscar un ángulo para que la magia surgiera. Y debo reconocer que tuve que pedir coordenadas para ver la obra en su esplendor. Resulta que la muestra  El primer día de Augusto Zanela que se exhibe en el Centro Cultural Recoleta trabaja con el principio de anamorfosis, el ojo es engañado, hay una suerte de juego óptico que hace que una imagen deformada se conforme en su reflejo.

Al llegar a la sala Cronopios solo vemos una enorme cantidad de tubos fluorescentes sin dirección aparente, 160 exactamente (me aclaró David Seiras, mi amigo y productor técnico de la muestra). Pero si nos paramos en el lugar exacto. Fiat Lux. Se hace la luz. Y espejo mediante, vemos la obra. Lo que vemos “se trata de la puesta en escena de una interpretación laberíntica y tautológica del primer momento de la creación. Lectura contemporánea del Génesis, esta obra que da título a la exposición, desarrolla en clave tecnológica la irrupción diferenciadora del la luz, que es discernida aquí por la palabra”, dice en Adriana Lauria, curadora de la muestra.

20160614_190638.jpg
La obra a simple vista

Otras dos instalaciones site specific Luzazul y Anamorfia: cuerdas completan la muestra y ambas son resultado de la investigación del artista, del rigor técnico y de la voluntad del espectador de brindar el punto de vista que la obra reclama. Somos nosotros, nuestro desplazamiento en la sala los que de alguna manera activamos estas obras.

 

img_20160616_182729.jpg
Anamorfía: Cuerdas

Vale la pena visitarla, tienen tiempo hasta el 31 de julio. En Junín 1930, Capital.

Más sutil que el aire

En la galería Ruth Benzacar se exhibe Éter, de Eduardo Basualdo, uno de los artistas argentinos con mayor proyección internacional. Recorrí con él la muestra y partimos desde su título: “No remite tanto al material químico como al concepto físico. El éter es una teoría obsoleta de cómo nombrar lo que no es ni aire ni agua ni fuego ni tierra. Es más sutil que el aire”, explicó. Basualdo venía de trabajar mucho con el tema de los límites, y aquí eso vuelve a aparecer.

De todas maneras, a nivel poético me explicó que la figura es “nosotros como máscara. Como si vos pudieras sacarte tu máscara y mirar la parte interna, tener otro acercamiento al lugar en que habitamos. Adentro de la piel. Por un lado nuestra sensación dentro del cuerpo y nuestra sensación en el mundo como intemperie”.

Como continuidad una pared que cae sirve de umbral para acceder al corazón de la exposición en la que el artista interviene el cubo blanco. Su idea es desnaturalizar la sensación de las paredes blancas y acceder a su interior. Una pared ficticia divide el centro de la sala y podemos atravesarla, casi un acto de magia. Y donde uno no ve una salida, esta aparece. “Juego a alterar la dramaturgia lógica de nuestro proceso de conocimiento”, concluye Basualdo.

Basualdo_Primeras nieves
Hasta el 15 de julio la podés visitar de lunes a viernes, de 14 a 19, en Juan Ramírez de Velasco 1287, Capital.

 

Nota publicada en Vanidades